“Ghost in the Shell, ghosts in the Machina”

Música y Era Biotecnológica

(Por Susan Campos)

Las posibilidades de la biotecnología transforman el mundo y sus metáforas - utilizando un gesto conceptual de Susan Sontag-, lo cual se filtra en la ideología del quehacer musical como arte en el imaginario de lo humano. Teodoro Adorno lo expone ya en la postguerra del siglo XX: "The inhumanity of art must triumph over the inhumanity of the world for the sake of the humane" (1). Pero, dicha aseveración lleva a una pregunta: ¿Qué es, qué significa humanidad?

"Ghost in the Shell…"

Acotando al extremo una pregunta de semejante envergadura (la cual ya ha hecho correr "ríos de tinta" sin llegar a una respuesta), habrá que recurrir a la paradoja, a la parábola, es decir, preguntarse: ¿cómo se muestra la idea de "ser humano", y lo particular de su existencia, en relación a su conflicto dialéctico con la inteligencia artificial? Paradoja presentada en "Kôkaku Kidôtai", serie manga escrita en 1989-1991, creada por Masamune Shirow, (llevada al animé como "Ghost in the Shell", película animada de 1995, dirigida por Mamoru Oshii.).

En esta obra, Shirow representa los conflictos internos y externos acerca de la propia naturaleza de lo humano. Su protagonista, Kusanagi, es una voluptuosa y andrógina mujer que puede perfectamente representar la carnalidad humana "moderna". Su conciencia reside en lo único que conserva de su cuerpo orgánico humano, su cerebro, el cual ha sido intervenido tecnológicamente he instalado en un cuerpo cibernético (un cyborg).

Su cerebro (como representación de "su conciencia"), puede unirse temporalmente, por medio de redes virtuales, a otras entidades y mentes. Pero, lo más interesante es que (por diferentes razones de la trama) decide unirse permanentemente a una entidad autónoma de inteligencia artificial, que existe, (no queda claro si creada o generada espontánea) en la sinergia virtual. Esta unión y propuesta de compartir la conciencia y el cuerpo de Kusanagi, tiene "la intención de sacar a relucir aún más dudas acerca de la naturaleza de la identidad humana", y es reflejo de "un mundo donde la conciencia humana ya no es algo tan particular." (2)

Pero esta visión, aparentemente anti-antropocéntrica, no deja de ser una visión humana, una visión de los propios conflictos de esta conciencia. Conflictos que se proyectan sobre el ideal de la máquina y la inteligencia artificial, los cuales son utopías distópicas de un deseo carnal de perfección y control generado desde el propio ser humano, proyectado a través de su creación: la máquina. En este sentido es importante destacar que este acto de unión, de compartir y coexistir en el cuerpo de otro, no deja de ser la metáfora de un acto erótico, que aporta carnalidad y conciencia a lo humano, por medio de la metonímica de lo anti-humano: la máquina. En palabras de Peter Franklin:

"…Ghosts in the Machina"

Pero ¿qué tiene esto que ver con la "música clásica contemporánea": absolutamente todo.

Si resulta demasiado directa esta respuesta, acerquémonos a la música de otra voluptuosa y andrógina mujer, la compositora Annie Gosfield. Quien nos enseña como no se trata solo de los soportes tecnológicos, como lo propone la acusmástica, sino de todo un paisaje sonoro cotidiano, de una ficción musical construida desde nuestros más profundos confines de cyborgs y de animales homínidos globalizados, para quienes la "cultura" es un objeto genérico más que asimilar, que consumir dentro del diálogo abierto de la red telemática y biotecnológica.

En obras como "Lost Signals and Drifting Satellites" o "The Harmony of the Body-Machine", Gosfield no solo trata de reconocer el espíritu de los "futurístas", de la Escuela de Dramstadt, de John Cage, la "musique concrte" o la "musique abstraite", a estas alturas eso sería demasiado fácil, se trata de una noción "cyberpunk" que recoge el imaginario creado por la modernidad y por la postmodernidad y nos permite vislumbrar que la creación musical actual puede sentirse orgullosa de su decadencia, su marginalidad, su desintegración y su carácter "garbage" en relación a un pasado que pervive reciclado en ella. Gosfield lo expone claramente:

Su música creada a partir de samplers, tapes, sonidos de pianos e instrumentos rotos, mezclas electroacústicas y un microtonalismo bastante más cercano a la "desafinación" (como lo expresa ella irónicamente"), son un ejemplo de ese fantasma que vive en la máquina, en la red virtual y en nosotros… como expuso recientemente en Madrid Peter Sloterdijk en su conferencia dentro del congreso "Ontología de la distancia" (5): "somos usuarios de cerebros…¿dónde estamos cuando escuchamos música?...es acaso un experimento con uno mismo: la escucha de sí". Para él, la situación se plantea desde "la música de las esferas y la era antropotécnica" (6), así, sin más.

Preguntas abiertas

Así que, de imitar a la Naturaleza o a Dios se ha pasado a imitar a la Máquina, en la necesidad potable de la conciencia, en su afán de conocer en que consiste su condición, su integridad, "Su Ser", no dejamos de imitar nuestra creación. Por lo cual toda idea de pensamiento musical no será más que una versión de nosotros mismos, o de lo que creemos que deberíamos ser. La pregunta de una musicalidad implícita en el ser humano, ya planteada por John Blacking, consiste en que un mamífero se pregunta, ¿en qué consiste lo humano? Y en qué consiste lo humano respecto a la Naturaleza, Dios y la Máquina como un Todo. En este sentido, la pregunta planteada es ¿acaso se pretende plantear la mente, el cerebro, como un ecosistema de ideas, de información? ¿Y al ser humano, como vehículo de dichas ideas, como cuerpo compartido, como elección e inclusión de sí mismo, su "auto" de creación y destrucción?

Escribir a Susan Campos