OpusMusica Educación

La música en las aulas y en los escenarios

(Por Sol Bordas Ibañez)

INTRODUCCIÓN

LA CREATIVIDAD

Podemos distinguir dos ámbitos en el uso de la música por las sociedades: como expresión artística y como recurso educativo.

Sobre el arte y sobre la educación se ha escrito desde todos los puntos de vista posibles. Yo he elegido para iniciar esta ponencia una  pregunta con respuesta que se hace David Bohm, profesor de física cuántica de la Universidad de Londres y antiguo colaborador de Einstein:

Desde mi  entender, interpreto este concepto de la creatividad como una acción de la persona en el intento de explicar el mundo que percibe y sus relaciones con él   y que la obra de arte es el resultado de la necesidad de desarrollar un lenguaje que pueda describir la cualidad del orden. También entiendo que esta necesidad surge de las limitaciones  del lenguaje común, demasiado áspero y empobrecido como para permitirnos comunicar con exactitud la totalidad de lo percibido.

Si nos referimos a la obra de arte musical,  esta definición integra elementos característicos de ella: la estructura, la armonía, el orden y la belleza.

FÍSICA ACÚSTICA

Necesito ahora una definición de la música mas tangible y sin salir de la física encuentro lo que busco en la definición de sonido como materia prima de la música que desarrolla Tirso de Olazabal en su libro “ Acústica musical y organología” ( Buenos Aires, Ricordi, 1954) : “el sonido es la sensación experimentada cuando llegan al oído las ondas producidas por determinados movimientos vibratorios.”

En la definición de Bohm se habla de sentimiento y en la de  Olazabal de sensación.

Si damos a estos  dos conceptos valor de  silogismo, la conclusión a la que llegamos es que la sensación produce sentimientos. Así que cuando lloramos escuchando la 9ª de Beethoven, estamos respondiendo a la percepción de un orden y estructura armónicos a través de la sensación que nos produce  la vibración de los instrumentos musicales y la voz.

Esta introducción que nos puede parecer farragosa es un intento de no explicar con literatura el arte de la música sino con términos científicos y de situar a este arte entre la percepción sensorial y el pensamiento abstracto. No podemos olvidar esto cuando hablemos mas tarde de educación musical.

Volvamos a la definición de Tirso de Olazábal. Habla de sonido. Cualquier sonido necesita una vibración, un elemento transmisor (el aire) y un oído receptor, pero ¿cuando el sonido se convierte en música? Para que esto suceda necesitamos un creador, alguien con intención de utilizar el sonido como materia prima para representar su universo, real o fantástico. Después un recreador, alguien hábil en el manejo de los instrumentos que vibran  y  por último un oyente, alguien capaz de percibir, sentir y entender el proceso musical.

Antes hice referencia a la 9ª de Beethoven pero ¿por qué no llorar o reír o sentir placer y emoción escuchando algo así?:

• “Destrucción ritual”- Krieg, 2001, black metal
• “Then I´ll Erase Myself Forever” –Eikenskaden-2002, melodic black metal
• “La bién pagá”- Bebo Valdés y el Cigala
• “Ya Aboo El oyoon El Sood”- Ahmed Nasr
• “Estudio Sinfónico nº 9” de R. Schumann interpretado por Brendel

 Asi que cuando hablamos de música además de hablar de física, lógica y cratividad,   también hablamos de culturas, de historia, de mercado, de nuevas tecnologías, de tendencias, de modas...

Para poder hablar de todo a la vez, necesito el siguiente gráfico:

En este gráfico podemos ver lo que hay, es decir, los itinerarios de unas políticas educativas y culturales que hacen posible cultivar y transmitir la música.

LA MÚSICA COMO RECURSO EDUCATIVO

MÚSICA Y CEREBRO

Si antes he hablado de la música como expresión artística, ahora me voy a centrar en ella como recurso educativo y para ello necesito hacer una referencia a uno de los numerosos estudios sobre música y cerebro   que han aportado claridad  y han descolocado prejuicios que habitualmente bloqueaban la creatividad y el desarrollo en la educación musical. “Todo músico formado debe cumplir un equilibrio dinámico entre potencialidades hemisféricas izquierdas y derechas” es la conclusión a que llega Jean- Paul Despins en su libro “ La música y el cerebro” ( Gedisa-1986) después de analizar las funciones especificas de cada hemisferio.  Cada uno  puede funcionar de manera relativamente independiente pero la colaboración entre los dos hemisferios, es decir el intercambio de información (interhemisfericidad) y  los intercambios en el interior mismo de cada hemisferio (intrahemisfericidad) se han formado a lo largo de la evolución para funcionar como un conjunto bien integrado. Se atribuye al hemisferio izquierdo lo relativo al pensamiento lógico-analítico y todo lo relativo al lenguaje oral y escrito. En música regula también el ritmo y domina la ejecución instrumental. El hemisferio derecho es el artífice de totalidades, capaz de relacionar el todo con la parte dentro de su sentido global. Su visión es ante todo holística en la percepción de los modelos, estructuras y configuraciones y en música domina las funciones tonales y melódicas. Está comprobado que los músicos no emplean más un hemisferio que otro, pero sí emplean los dos, algo que no sucede en otras  materias, ya que la enseñanza general está prácticamente basada en la lógica y el lenguaje (matemáticas, lengua, filosofía), correspondiente al hemisferio izquierdo. La activación por igual del hemisferio derecho no va solo vinculada a la expresión de las emociones como se cree, sino a la percepción  integradora de la realidad, incluyendo la gran cantidad de información no verbal que recibimos continuamente (visual, gestual, corporal, espacial...), lo que contribuye en la educación a ampliar el conocimiento del mundo y la vida  y a la maduración cognitiva del individuo integrado en su medio.

PROPIEDADES EDUCATIVAS DE LA MÚSICA

No estaban descaminados en el siglo XVII cuando atribuían a la música propiedades dignas de educar a un príncipe. Vemos en el artículo de Luis Robledo “ Felipe II y Felipe III como patronos musicales” ( Consejo Superior de Investigaciones Científicas-1998) como Felipe II, que quiere hacer de su hijo un buen gobernante, incluye en su educación diferentes disciplinas que compara con el conjunto de la monarquía ( a la geometría le corresponde la agricultura y la arquitectura, a la aritmética la minería, a la óptica el comercio, a la estática el artesanado, a la cosmografía la vastedad de territorios que rige el cetro hispano, y a la música la sagacidad y elocuencia de los habitantes con que se engrandece la república. “ También se aplica en esa época a la música el principio platónico por el cual las propiedades educativas de la música sirven para garantizar el sentido de la justicia, logrando la tan deseada armonía resultante de la conciliación de contrarios.”

Observemos las sinergias de una Orquesta Sinfónica y como individuos con instrumentos de morfologías diferentes, consiguen un efecto armónico único con la acción coordinada de cada uno. Es la imagen de la Utopía:  cuanto mejor es el individuo mejor suena el conjunto. Todos a la vez y cada uno en su momento y en su sitio, construyen un universo armónico en el que todas las tensiones quedan resueltas y la tarea realizada.

MÚSICA EN LAS AULAS

Por lo dicho anteriormente, comprendemos los beneficios intrínsecos de los estudios musicales en la educación de nuestros jóvenes y veamos cómo se plantea en las leyes que la regulan..

En el Titulo II de la LOGSE  aprobada el 13 de septiembre de 1990 dice: “las enseñanzas artísticas tendrán como finalidad proporcionar a los alumnos una formación artística de calidad y garantizar la cualificación de los futuros profesionales de la música, la danza, el arte dramático, las artes plásticas y el diseño.”

Y la nueva LOE  aprobada el de abril de 2006 dice: “ Las enseñanzas artísticas tienen como finalidad proporcionar al alumnado una formación artística de calidad y garantizar la cualificación de los futuros profesionales de la música, la danza, el arte dramático, las artes plásticas y el diseño.”

He leído en el diccionario la palabra PROFESIÓN y dice:  actividad permanente que sirve de medio de vida y que determina el ingreso en un grupo profesional determinado.

Y la palabra PROFESIONAL: relativo a la profesión,  que ejerce de manera competente una profesión u oficio.

Volviendo al gráfico vemos el panorama educativo tal como está; música en la enseñanza primaria y secundaria, en los conservatorios elementales, profesionales y superiores, en las escuelas municipales y privadas etc...

¿Qué diferencia hay entre todas estas instituciones y centros?

Fundamentalmente tres: el grado,  el contenido musical y la situación laboral de los profesores.

ENSEÑANZA GENERAL

En los colegios e institutos tanto públicos como privados, la música es tratada como una asignatura menor y apenas tiene espacio para ser practicada.  En realidad se utiliza la asignatura para explicar verbalmente qué son los instrumentos, sus alturas y timbres, las formas básicas de composición y para escuchar alguna colección de piezas de autores famosos  pero no hay lugar para experimentar la sensación de producir sonidos, melodías y ritmos. 

ESCUELAS

Aquellos padres que desean para sus hijos una mayor inmersión en la música los acercan a las escuelas y conservatorios. Las Escuelas de música dependen de la iniciativa privada o municipal. En ambos casos, el presupuesto con el que cuentan está regido por una empresa privada, incluso en el caso de las municipales que son gestionadas por empresas. En estos centros la enseñanza no es obligatoriamente la reglada ni hay pruebas de acceso ni límite de edad. En ocasiones, si logran el reconocimiento, se convierten en réplicas de la enseñanza oficial , pero otras escuelas deciden una enseñanza acorde a su alumnado que no reclama una enseñanza profesional, y que con rigor e interés consiguen alumnos interesantes y sobre todo con conocimientos suficientes para ser un público aficionado, entendido y exigente. El problema de estas escuelas es la precariedad laboral de los profesores. En el caso de las municipales siempre dependientes del concejal de turno y en el caso de las privadas del dueño del negocio. La mejor opción es la formación de cooperativas entre profesores, asociados en base a un interés común por cierto estilo de música: urbanas, populares, jazz, contemporánea, etc...con lo cual consiguen una identidad que ya es un reclamo por si misma .

Todas estas escuelas que acercan la enseñanza musical a muchas personas y lugares, cumplen el doble cometido de educar en la música como valor intrínseco y reconocer aquellos talentos que podrían cursar estudios más profesionales o superiores.

CONSERVATORIOS

La institución Conservatorio, es desde su origen el lugar destinado a la especialización. Como alumna primero y como profesora después, mi vida ha transcurrido en un Conservatorio, mi segunda casa, el lugar donde puedo encontrar a personas  con quien compartir la pasión por un arte y su obra, el lugar en donde se puede leer, analizar, comprender e interpretar la obra de arte musical.- ¿Y no son estas las cuatro herramientas hermenéuticas del análisis estructural?- Y donde está también el oído critico, el pedagógico o el compañero  que escucha y comparte.

Los conservatorios públicos son hoy día los espacios que el Estado ofrece, como un mecenazgo/ patronazgo institucional, a todos aquellos que hacen de la música su vida.

Sobre el contenido de los estudios de la enseñanza reglada  en los conservatorios deducimos que el repertorio es el de la música clásica occidental  centroeuropea, el lenguaje tonal o atonal  que ha generado y sigue generando obras de arte en formas complejas y de difícil comprensión e interpretación.  Hay que resaltar que los procesos cognitivos señalados antes en la percepción de la música con la intervención de los dos hemisferios cerebrales ocupan un porcentaje de tiempo  muy inferior al que requieren las técnicas instrumentales de interpretación que dependen de un entrenamiento corporal intenso para conseguir la precisión, el reflejo, la resistencia y las habilidades específicas de cada instrumento, similar a las técnicas empleadas por deportistas de élite.

HABILIDADES CORPORALES INHERENTES AL PROCESO

Quisiera poner un ejemplo : un pianista que tenga nivel para interpretar el Estudio sobre un tema de Paganini  nº3 “La Campanella”  de Franz Liszt, en alguna de sus secciones tiene que desplazar la mano derecha por el teclado en saltos de dos octavas, o sea 34 centimetros, 20 veces en 20 segundos , pulsando con precisión las teclas de 2 centímetros que corresponden a la secuencia melódica, rítmica y  tonal del fragmento, mientras con la mano izquierda realiza un contrapunto y con los dos pies controla la resonancia residual de los sonidos producidos por las cuerdas percutidas.

Un segundo ejemplo sobre el mismo autor, en el Estudio de Concierto nº2 en Fa menor, después de una introducción temática, el pianista debe pulsar con la mano derecha  1297 teclas en 7 minutos y 16 segundos, aproximadamente, en una superficie de 58 centímetros  con solo los cinco dedos de la mano derecha mientras la izquierda realiza movimientos en sentido inverso  en los otros 58 cm. del registro grave.   No considerar esto como proeza que requiere preparación y largo entrenamiento  es incurrir en error al planificar las enseñanzas musicales. Los músicos necesitan que la última herramienta hermenéutica del análisis estructural, la interpretación, sea literal y eso conlleva tiempo. Si a las horas lectivas de la enseñanza general obligatoria les añadimos las lectivas del conservatorio, la jornada laboral de un estudiante de música siempre supera los limites establecidos para  un trabajador. A menudo la práctica instrumental se hace a última hora de la tarde o en tiempo de ocio, el sacrificio siempre es grande, en cualquier sistema, a no ser que el sistema no cierre obligatoriamente los itinerarios del joven estudiante de arte y le permita explorar sus posibilidades y crear.

En el sistema actual no se puede elegir entre arte y profesión, las dos cosas van unidas.

Se da el caso en que muchos artistas de éxito no han pasado por un conservatorio ni tienen titulación, y que los que si la tienen están abocados a la docencia perpetuando un sistema endogámico que no fluye y que obliga a las administraciones a ampliar el numero de centros para dar cabida a tanto titulado profesional de la música.

LA MÚSICA EN EL ESCENARIO

Pero, ¿qué pasa entonces con los escenarios? ¿quién son los que viven de dar conciertos?

La respuesta es simple.  Bisbal,  Julio Iglesias, Alejandro Sanz, US3, Mago de Oz, Estopa, ...

Dispongo de un porcentaje extraído de la programación de música en directo del día 30 de junio del presente año en la Comunidad de Madrid ofrecida por 50 salas.

ESPACIOS ESCÉNICOS

Y por otro lado ¿para que ir a un concierto si puedo escuchar lo que me gusta en cualquier lugar y momento?

Volviendo a la definición de sonido que enunciábamos al comienzo, actualmente hay cambios considerables. El sonido es producido por un artilugio eléctrico enchufado directamente al oído, el aire transmisor es el que va del auricular al tímpano, solo el oído medio, y el espacio escénico que precisa este nuevo oyente puede ser por ejemplo, el Metro;  los 31 minutos con 40 segundos que dura la grabación del concierto nº 20  para piano y orquesta de Mozart interpretado por Mauricio Pollini es lo que dura el trayecto de las Musas a Pitis por la linea 7 del Metro de Madrid. La música acompaña hoy los itinerarios de todas aquellas personas que se mueven por la vida con un reproductor de Mp3 en el bolsillo. Es un arte escénico en extinción o mas bien un arte que no precisa, como el bailarín o el actor de un sitio especial para expresarse. Jardines, Palacios, Iglesias, Museos, son a menudo lugares para tocar en directo, también cafés, patios, la calle... y por otro lado los nuevos sistemas de reproducción de sonido multiplican las posibilidades de escuchar música en cualquier lugar sin la presencia del profesional, que en estos casos está en manos del mercado discográfico, con todo un mundo de intereses económicos alrededor y que es finalmente el que decide quien existe y quien no.

LA GESTIÓN

Entramos en el último apartado del gráfico y de todo lo que pulula alrededor de un concierto o un disco. ¿Quiénes son los intermediarios entre el público y el artista?

¿Quién da el salto del mundo endogámico de los conservatorios al del espectáculo?

Quiero entender que el sistema ya cuenta con itinerarios que permitan prosperar a los verdaderamente  valiosos y no a aquellos que además y a menudo solo están bien relacionados con individuos situados en puntos estratégicos del poder.

Una titulación superior garantiza conocimientos y control de técnicas, pero artista es creador original y eso suele escapar a las  reglas .

Los concursos suelen ser, pese al pesimismo de algunos, una buena manera de darse al menos a conocer, tanto los de composición como los de interpretación, también las orquestas juveniles de las Comunidades o adscritas a una Orquesta profesional o estatal.

EL PÚBLICO

 Pero el que alcanza una buena fama se lo debe casi siempre a aquellos que deciden con la palabra.: un crítico,  un asesor. Su retórica es la que convence a un público que cada vez tose mas entre los tiempos de las sonatas, impidiendo percibir la continuidad o el contraste y por ende rompiendo la percepción de la obra como totalidad.

El público, imprescindible para el proceso musical, consume obedientemente lo que le presentan debidamente etiquetado y envasado como productos de un supermercado. La única forma de subsanar el retraso endémico que este país lleva con la música y la danza es valorar a sus profesionales, llamar la atención sobre la excelencia de lo que hacen con el mismo énfasis que se pone en la exhibición de los logros del esforzado tenista Nadal nada menos que en los informativos de la cadena 1 de TVE. El público entiende de tenis porque ser tenista o ciclista o torero  es valorado por la sociedad y cuando se valore ser violinista o trombonista,  el público entenderá de violín y de trombón.

LA DIFUSIÓN

Un ejemplo indicativo de lo que quiero explicar es el siguiente. El 22 de abril del presente año, una orquesta juvenil actuó en la ciudad de  Córdoba interpretando el Concierto nº 20 para piano y orquesta de Mozart y como solista un joven pianista de 17 años. Este joven dedica su tiempo a realizar proezas como las que describí anteriormente sobre el teclado de un piano y por supuesto su interpretación del concierto de Mozart fue impecable,  al igual que la de  los miembros de la orquesta que le acompañaron. En el periódico local, al día siguiente, en la sección cultural se ofrecía la siguiente información: “ ayer el roquero Germán “Mono” Burgos, ex portero de fútbol, ofreció un concierto en la sala Musitek”, como única noticia reseñable.

Creo sinceramente que es urgente que los medios de comunicación y aquellos que opinan y asesoran,  dejen de ignorar los méritos y la excelencia de nuestros jóvenes músicos y bailarines. Solo una imagen restaurada y positiva de su actividad artística convencerá a la sociedad de que asistir a un espectáculo de música o danza clásica es tan excitante y emocionante como asistir a la final de un torneo de tenis.  Ni los conciertos didácticos, ni la proliferación de escuelas y conservatorios darán un público tan activo como el que entiende porque importa, porque lo dice la televisión, la radio y los periódicos.

LOS ESTUDIOS SUPERIORES

No he abordado el asunto de los estudios superiores de música ni de si estos deben cursarse en la Universidad o no. He leído detenidamente la nueva estructura del Sistema Universitario propuesto en la Declaración de Bolonia  19 de junio 1999.  Es mi opinión que la vara de medir a un artista y su obra no es la económica o de mercado ni la del número de créditos que se procure, sino del tiempo de experimentación personal, de la veracidad y fiabilidad de sus logros, de la capacidad de crear  y comunicar, exactamente igual que el físico, el matemático, el  arqueólogo, el neurocirujano... ¿ por qué no estar juntos?.

Es curioso que actualmente solo se imparte música teórica en la Universidad, nuevamente el predominio de la palabra. Un joven compositor titulado superior por el Conservatorio que quiera sacar el Doctorado deberá presentar un trabajo de investigación teórico sobre cualquier tema relacionado con la música de manera tangencial y presentarlo por escrito y disertar sobre ello. No podrá ser Doctor presentando una composición propia o presentando un trabajo de investigación sobre cualquier época, estilo o autor simplemente interpretando con su instrumento, algo que conlleva el conocimiento de la historia, la estética, la evolución, el lenguaje...y que probablemente le ha costado años de preparación.

La manera en como pueda converger la enseñanza superior y la universitaria pasaría nuevamente por reconocer que el lenguaje no verbal del artista tiene mucho que decir y aportar y que su falta de elocuencia oral no implica falta de conocimiento, de cultura ni de inteligencia.

Pero seguro que las decisiones sobre estos asuntos las tomarán aquellos intermediarios y asesores que con su elocuencia verbal consigan fijar en el sistema las propuestas que les parezcan pertinentes.

CONCLUSIONES

Las conclusiones a que quisiera llegar son las siguientes:

1. La música es un arte y  es educativa por si misma
2. Las enseñanzas musicales deben contemplar que su alumno  es potencialmente un artista.
3. El estudiante de música puede terminar siendo o no siendo un profesional.
4. Un músico puede ser artista genial y no comerciar con ello ni venderlo.
5. Los músicos que decidan ser profesionales deberán contar con itinerarios justos para acceder a un mercado realista.
6. Solo el reconocimiento social podrá hacer que el músico no tenga que someterse a unas leyes de mercado que vende el ruido y la mediocridad.
7. El objetivo último de las políticas educativas de la música debería ser la valoración del silencio como fuente de bienestar y equilibrio.

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