Entrevista a Roger Alier

(Por Ovidi Cobacho Closa)

Roger Alier, nacido el 28 de julio de 1941 en Los Teques (Venezuela), en el seno de una familia catalana en el exilio tras la Guerra Civil, ha llegado a convertirse, después de años de infatigable trabajo, en una de las figuras que más ha contribuido a la divulgación del género operístico en el panorama estatal. Mentor de varias generaciones de estudiosos e investigadores del género lírico en Catalunya, se doctoró en 1979, con una tesis sobre Els orígens de l’òpera a Barcelona que le valió el Premio Extraordinario de Doctorado en la Universidad de Barcelona, donde imparte clases desde entonces de Historia de la Música e Historia de la Ópera.

Entrevista a Ramón Paus

(Por Hertha Gallego de Torres)

Ramón Paus se está convirtiendo en un nombre de referencia entre los compositores de bandas sonoras, la música que Ennio Morricone una vez definiera como “aplicada”. Pero Paus es un compositor completo que no descuida la “música absoluta” por seguir con la terminología de su ilustre predecesor. Este músico jovial y sencillo esconde en su interior muchos secretos: los que le permiten aunar jazz y música contemporánea, atrayendo hacia sus composiciones a muchos de los grandes intérpretes “clásicos” de nuestro país, que admiran el rigor formal y la calidad de una música tan ecléctica como bien hecha. Recién llegado de Brasil y a punto de irse a Praga, localizamos a Paus en su estudio madrileño para que nos hable de estas simbiosis. .

El Salón de Actos de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid acogió el pasado jueves 18 de octubre, el acto de entrega del VII Premio Iberoamericano de Música Tomás Luis de Victoria 2006, que convoca la SGAE, al compositor Antón García Abril (Teruel, 1933). El Tomás Luis de Victoria, considerado “el Cervantes de la música culta”, es el mayor reconocimiento para autores vivos en el ámbito hispanoamericano, tanto por la categoría del jurado como por su dotación económica, de 60.000 euros..

(Por Elisa Rapado)

Durante los primeros días Septiembre de 2007, la sala Angelika Kauffmann de Schwarzenberg acogió la última semana de conciertos de la temporada de verano del festival, con su habitual programa de recitales de Lied. Cabe recordar a nuestros lectores que, desde que en 1976 el barítono Hermann Prey se planteara fundar una sociedad de conciertos en torno a la figura de Schubert, este festival, ubicado en un minúsculo pueblecito de las estribaciones alpinas, ha sido uno de los más valiosos referentes culturales para los liederistas de todo el mundo.

(Por Otis B. Driftwood)

Tras la inauguración de la temporada con la representación de dos obras del siglo XX, Elektra y "El Castillo de Barbazul", la ABAO pasa a un paradigma del belcanto con "Anna Bolena", primero de los dos títulos de Donizetti (no demasiado frecuentes: el otro, allá por febrero del próximo año, es Poliuto, con Francisco Casanova y la Cedolins), incluidos en este Festival. Y si bien los dos larguisimos actos, de 85 y 95 minutos, de la obra superan con mucho la dosis máxima diaria de belcantismo que me suelo permitir, fue una excelente función.

Disco del mes

(Por Alicia Perris)

Una de las voces más prodigiosas de la historia de la ópera, la Malibrán, renace para los melómanos en el estilo y el temperamento volcánico y apasionado de Cecilia Bartoli. La mezzosoprano romana nació el 4 de junio de 1966, como si con su llegada a la vida deslumbrara hasta la primavera. Es posible que sea una de las cantantes más célebres y que más discos haya vendido en los últimos años. Su repertorio original se basó en el trabajo minucioso de las obras de Rossini y Mozart, sin olvidar otros autores menos frecuentados y difíciles de ejecutar con maestría en la actualidad, como Gluck o Salieri,  y siempre mostró una marcada tendencia por la sofisticación en la elección de las obras y de los compositores.

(Por Adolfo del Brezo)

El sello Harmonia Mundi, dentro de su catálogo de un nivel de calidad en líneas generales muy alto, destaca especialmente por el cuidado puesto en la música vocal. Al género vocal francés y alemán pertenecen las tres propuestas que se comentan a continuación, que incluyen obras de los franceses Berlioz y Ravel, del suizo Frank Martin y del alemán Johannes Brahms.Bernarda Fink posee una voz de mezzosoprano lírica al estilo de las de Anne Sofie von Otter, Magdalena Kozena o Susan Graham, y al igual que ellas canta con un gusto exquisito.

Últimos de mes

(Por Luis Díaz García)

Parece ser que los lanzamientos que ofrece Brilliant –espero que los que tengáis la edición Beethoven la disfrutéis tanto como lo hago yo- están condicionando a otros sellos discográficos, grandes y pequeños, a sacar ediciones de las mismas características que el sello holandés. Unas las vemos en todos los supermercados y otras hay que buscarlas un poco en la red, pero cada vez aparecen más y de mucho interés.Desde hace unos meses veo en Jpc que se intenta comercializar el Chopin grabado por Arthur Rubinstein en los años cincuenta y sesenta del pasado siglo para RCA. Merece la pena hacerse con él, no solo por la interpretación única del maestro polaco si no también por el precio que presenta el estuche de once compactos, 25 euros.

OpusMusica Jazz

(Por Ángel González Rodríguez)

Se acaba de publicar en España una de las biografías más esperadas, la de Ray Charles. Si a ello unimos un gran disco como el de Sam Rivers, nos encontramos con la pareja ideal para un fin de semana de otoño.La primera vez que escuche a Sam Rivers, fue en una grabación de Miles Davis, su celebre Live in Tokio. Y claro, todos los músicos que aparecen en un disco de Miles tienen un especial interés. Sam, llegó a este grupo debido a su amistad con Tony Williams, pero es posible que ya entonces fuera un adelantado y su música no encajara en lo que Davis necesitaba en ese momento. Wayne Shorter lo sustituyó y el segundo gran quinteto de Miles ya estaba formado. Pero esa es otra historia.

(Por Hertha Gallego de Torres)

Ha sido el notable escritor Francisco Ayala quien llamó a  sus memorias “Recuerdos y olvidos” acuñando un término que se me ha grabado de manera imborrable. Porque, en efecto, vivir, como dijo otro gran novelista cuyo nombre ya no logro retener, es construir futuros recuerdos, pero a la vez es ir borrando, de manera consciente o inconsciente, muchas huellas de lo anterior. Los que moramos en la música sabemos que ésta es un arte del tiempo, que necesita del concurso de la memoria, pero también que la reminiscencia es engañosa: “La música nos crea un maravilloso pasado, nos instala en otro país”, así empezaba un precioso poema de Bousoño, que buscaba la salvación en este arte…

(por Joaquim Zueras Navarro)

José Maria Vitier (La Habana, 1954) es un músico hijo de los poetas y melómanos Cintio Vitier y Fina García Marruz. Cursó sus primeros estudios en el Conservatorio Amadeo Roldán. Su trabajo abarca un amplio espectro, que detallaremos a continuación. En 1983 formó su propio grupo. Fue profesor de piano en la Escuela Nacional de Arte y llevó a cabo estudios de composición en el Instituto Superior de Arte. Su obra creativa se caracteriza por una notable versatilidad, donde se combina la música de cámara y la popular, con incursiones al jazz, todo bajo un marcado acento de cubanía. Entre otros, ha participado en los siguientes eventos: el Festival Internacional de Jazz de Montreal, el Festival Latino de Nueva York, el Festival Du Maurier Ltd Downtown de Jazz de Toronto, el Festival Cervantino de México, el Festival Afro-caribeño de Burdeos y Festival MIDEM de Cannes. Ha obtenido importantes premios como la Medalla Alejo Carpentier y la Orden Félix Varela, máxima distinción otorgada en Cuba por mérito artístico y aportes a la cultura nacional..

(Por Hertha Gallego de Torres)

Comentar un libro de chistes es difícilísimo. ¡Cómo desearía uno tener el humor gallego y sutil de Camba, o soltar alguna ingeniosidad de las que rebosaba Wilde…Precisamente el escritor irlandés dijo aquello de que “los músicos son absurdos. Quieren siempre que se vuelva uno mudo, precisamente cuando desearía uno quedarse sordo”. Lo que me da pie para comentar el libro que me he traído entre manos estos días, una recopilación de humoradas que se lee con la sonrisa en los labios, pero que, estoy segura, cuando esas mismas tonterías, aderezadas con un par de tacos (a veces, también, con un par de cañas) en su justo momento, se oyen a ciertos contertulios músicos con habilidad para contarlas, hacen las delicias de todos nosotros en los conciertos, ensayos, clases.

(Por Enid Negrete)

A veces olvidamos que la ópera, como cualquier otra arte, es un vehículo para acercarnos a nosotros mismos. Nos olvidamos de que su glamour y su ostentación no es lo que al define, sino una consecuencia de su desarrollo en el devenir social e histórico. La mayor parte de la gente cree que necesita pertenecer a un grupo especial para poder disfrutar de la ópera, tener conocimientos o una preparación específica. Pero si lo analizamos con calma, nos daremos cuenta de que pocas manifestaciones escénicas son tan ilógicas como la ópera. Desde el siglo XVIII se consideraba un entretenimiento exótico e irracional, y claro que lo es hasta nuestros días.

(Por Isaac Diego García)

Convencionalmente se emplea el término grafismo para referirse a los profundos cambios sufridos en el sistema de notación musical desde finales de la década de los cincuenta en el ámbito de la vanguardia musical occidental. Algunos estudiosos del tema han insistido en que la creación desmesurada de nuevos signos se debió principalmente a la aparición de nuevas realidades sonoras, que necesitaron inéditas formas de representación gráfica. Que cada compositor optara por crear sus propias grafías al margen de cualquier tipo de consenso con el resto de músicos, fue otro factor que ayudó a crear inicialmente una falta de sistematización, que con el tiempo se ha ido suavizando gracias a la labor de algunos teóricos.

Nuestra Zarzuela

(Por José Prieto Marugán)

La rosa del azafrán, tercera de las zarzuelas escritas por Federico Romero, Guillermo Fernández-Shaw y Jacinto Guerrero, está inspirada en El perro del hortelano, de Lope de Vega, y se ambienta en el pueblo de La Solana (Ciudad Real), aunque el libreto hable de un impreciso “lugar de la Mancha”.  Federico Romero, nacido en Oviedo, en 1886, se consideraba solanero porque en ese pueblo pasó parte de su infancia y adolescencia; convertido en escritor teatral tuvo la idea de ambientar allí una zarzuela y se le ocurrió trasplantar los personajes y el argumento de El perro del hortelano, al entorno y ambiente del pueblo ciudadrealeño..

(Por Paula Coronas Valle)

Domenico Scarlatti (Nápoles, 1685-1757), representa una de las cimas de la literatura musical para tecla de todos los tiempos.  Considerado excelente intérprete (clavecinista) de su época, experto conocedor de la técnica instrumental y fecundo compositor de un valioso patrimonio de producción clavecinística (casi 600 sonatas para tecla), el músico napolitano es recordado especialmente en esta efeméride que conmemora el 250 aniversario de su muerte.Les proponemos en estas líneas recorrer brevemente la trayectoria vital y artística de este creador decisivo en la evolución del propio lenguaje musical.

OpusMusica Educación

(Por Hertha Gallego de Torres)

Hace poco he recibido la tentadora invitación para un curso llamado “Música y lectura”, que, dirigido por Elvira Ontañón, iba a ser impartido en La Fundación Francisco Giner de los Ríos (Institución Libre de Enseñanza) estos días de octubre. Cuestiones de horarios y de fechas me han impedido asistir, bien a mi pesar, pero la idea era en verdad atrayente: conjugar la enseñanza de la música desde la lectura, contar las bondades de la práctica musical para el desarrollo y disfrute del amor a los libros, dar diferentes visiones sobre la vinculación de lo escrito y lo sonoro…con las aportaciones de escritores como Andrés Ibáñez, críticos (Luis Suñén), profesores de música (Leticia Sánchez), etc..