Publicaciones y novedades: Mayo 2009

Biografía de Manuel de Falla

Dentro de la colección de Biografías, de la editorial Arguval, en la que ya se han publicado las de María Zambrano y Picasso, le toca el turno ahora a Manuel de Falla. El libro ha sido escrito por Elena Torres Clemente, profesora en el Departamento de Musicología de la Universidad Complutense de Madrid, directora de la Revista Española de Musicología y miembro del Comité Científico de la Fundación Archivo Manuel de Falla. Ilustrada con más de cuarenta biografías, la obra ofrece de forma clara y didáctica la biografía fundamental de este compositor de renombre internacional. Nacido en Cádiz en 1876 y fallecido en Alta Gracia (Argentina) en 1946, después de haber abandonado España en 1939 tras la guerra civil, la vida de Falla está marcada por cinco ciudades que determinan su formación: Cádiz, Granada, Madrid, París y Buenos Aires. Además de los aspectos puramente biográficos, la obra incluye un análisis detallado de la conformación de su estética musical, de sus asombrosamente perfectas creaciones y de sus preocupaciones religiosas, filosóficas y humanísticas.

Breve historia de la música occidental

"La música, tan íntimamente ligada a la percepción, ilumina la mente. La música, que es de naturaleza material, toca lo inmaterial, en el discurrir del pensamiento y del sentimiento, en la divinidad y en la muerte. La música, como sonido, puede representar el mundo de lo auditivo: el murmullo del viento, los silbidos repetidos de las olas en calma, las llamadas de las aves. La música, como voz idealizada, puede cantar o suspirar, reír o llorar. La música, como ritmo, puede seguir el aso de nuestro interés contemplativo o de nuestra actividad frenética. La música, en su curso por el tiempo, puede asemejarse a nuestras vidas". El presente libro ofrece una historia del devenir de la música occidental, no sólo de sus grandes compositores e intérpretes, sino también de los cambios que han ido experimentando las ideas en torno a su esencia y su función. al hilo de este planteamiento, el autor sugiere hasta qué punto esta evolución es reflejo del desarrollo de la concepción humana del tiempo. Escrita con claridad y rigor, sus veinticuatro capítulos constituyen una lectura esencial y esclarecedora para estudiantes, profesores y amantes de la música en general.

Franz Liszt: Cartas de un artista

Pianista, compositor, director de orquesta, profesor, organizador de festivales, abad, consejero real de Hungría... y también escritor. Franz Liszt tuvo, sin duda alguna, la inhabitual fortuna de atesorar en sí una cantidad de dones artísticos y de cualidades humanas incomparables. En sus cartas y artículos, Liszt analiza todos los aspectos del universo musical de su época y repasa las dificultades a las que tiene que hacer frente el músico: no deja de ser sorprendente que muchas de sus palabras y reflexiones todavía son válidas hoy en día. Liszt se revela como un auténtico humanista en sus escritos, en los que aborda reflexiones sobre el estatuto social del artista o las instituciones musicales de su tiempo, del que elabora una crítica lúcida y perspicaz. Deleita al lector con los relatos de sus viajes por Europa: anécdotas divertidas, pensamientos sobre el arte o detalles pintorescos sazonan estas páginas equiparables a los cuadernos de viaje de los escritores románticos en las que el arte ennoblece todo.

Stride la vampa!

La Asociación Bilbaina de Amigos de la Ópera (ABAO-OLBE) en colaboración con la Fundación BBVA, ha editado el libro Stride la vampa. El punto de partida de esta publicación, enmarcada en el ambicioso proyecto Tutto Verdi, es el hecho de que el cuadro primero de la segunda parte de Il trovatore de Giuseppe Verdi se desarrolla, según el libreto de Salvatore Cammarano y Leone Emanuele Bardare, en la falda de un monte de Vizcaya. Se trata de un libro con una importante parte gráfica que presenta fotografías hechas a comienzos de los años noventa y en septiembre de 2008 en Vizcaya, en los alrededores de La Arboleda y de Gallarta, de la Ría de Bilbao y su zona minera, así como en camerinos y escenario del Palacio Euskalduna, y en el ensayo general de la ópera Il trovatore con la que se inauguro la LXVII temporada de ABAO-OLBE. Manuel Montero y José Luis Téllez son los autores de los textos, Mikel Alonso de las fotografías, mientras que Juan Ángel Vela del Campo, director cultural del proyecto Tutto Verdi, ha coordinado las diferentes perspectivas presentes en este libro.

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Presentación del CD de Marisa Manchado ‘El Agua y los Sueños’

Con un recorrido por su obra para piano que abarca desde 1989 hasta 2008, la compositora madrileña Marisa Manchado presentó el pasado mes de abril en la sala Manuel de Falla de la Sgae en Madrid su CD El agua y los sueños y otras obras para piano, grabado por la pianista Carmen Martínez para el Sello Autor. El álbum está integrado por diez de sus obras para este instrumento y toma su nombre de una de ellas, El agua y los sueños compuesta en 2001. Esta obra es la única dentro del disco concebida para dos pianos, en la que Carmen Martínez contó con la colaboración especial del pianista francés Denis Pascal como intérprete del segundo piano. Javier Alfaya, el compositor Tomás Marco y la pianista Carmen Martínez acompañaron a la compositora Marisa Manchado en esta presentación.

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La nota rota

El autor confiesa haber escrito las páginas de 'La nota rota' para retratar a músicos que admira. Para ello escogió creadores muy diferentes. Ateniéndose a sus propios gustos y aficiones, incluyó a músicos del Renacimiento o del Barroco junto a muchos de los mejores creadores e intérpretes de jazz. Pero tampoco se olvidó del flamenco o de sorpresas como las mujeres y hombres del desierto, o de Ram Narayan o Wasis Diop. Sólo cierra su puerta a los que ahuecan la voz y el chaqué al referirse a la “música culta”. En el libro predominan los músicos innovadores. De ahí el título del volumen. En él se congregan, con idéntico desamparo ante lo desconocido, los hombres que no se dejan domeñar, los que perdieron su breviario de dogmas y los merodeadores descalzos. Conviven así en sus páginas Billie Holiday y Charlie Parker con Claudio Monteverdi y Thomas Tallis, Janis Joplin y Patti Smith con Karlheinz Stockhausen y Heitor Villa-Lobos, Sabicas y Paco de Lucía con Frank Zappa y Jimi Hendrix, Nico y Leonard Cohen con Béla Bartók y Ludwig van Beethoven. Música de la mejor, sin discriminaciones ni prejuicios excluyentes. Unidas a las notas rotas, abundan las biografías trágicas. Pero el autor celebra las excepciones. A veces, como nueva transgresión, apunta los detalles de una vida favorable. Saluda, por ejemplo, al renacentista Josquin Desprez, uno de sus autores preferidos. Y todo ello con la precisión del especialista y el depurado estilo del poeta. El autor de este libro, Francisco Javier Irazoki (Lesaka, Navarra, 1954), fue periodista musical. Formó parte de CLOC, grupo de escritores surrealistas. 'Cielos segados' (Universidad del País Vasco, 1992) recopiló toda su poesía hasta 1990. Ha colaborado con el fotógrafo Antonio Arenal. Hiperión le publicó en 2006 'Los hombres intermitentes', volumen de prosas poéticas. Desde 1993 reside en París.

Antonia Mercé: El flamenco y la vanguardia española.

Dos apodos apenas separados por un diminutivo deslumbran en el planeta de la danza española durante la primera mitad del siglo XX. Uno de ellos, la Argentinita, evoca pasiones lorquianas y dramas taurinos aún no olvidados. El otro, la Argentina, pertenece a una mujer hoy menos célebre que entregó su cuerpo al demonio de las tablas para convertirse en la bailarina (o bailaora) española más sofisticada e influyente de su tiempo. Y la disyunción (o la ambigüedad) es aquí pertinente porque Antonia Mercé sacó el baile flamenco de los ambientes tabernarios donde ella misma se había cepillado su impecable clasicismo y lo dotó de los atributos estéticos que necesitaba para elevarse a las más altas cumbres escénicas sin renunciar por ello a la vieja savia gitana. Por otro lado, la fructífera interacción de la Argentina con músicos como Manuel de Falla, escenógrafos como Néstor de la Torre o bailarines míticos como Vicente Escudero la sitúan en una encrucijada decisiva dentro de la cultura española contemporánea. Cuando murió (el 18 de julio de 1936, nada menos), la prensa de medio mundo describió a Antonia Mercé con una frase perfectamente estereotipada y, sin embargo, no del todo imprecisa: había sido la Pavlova del flamenco. La autora de este libro, Ninotchka Deborah Bennahum, es profesora de dicción, teatro y danza en la Universidad de Long Island. Ha enseñado historia de la danza en Swarthmore y Princeton y ha publicado numerosos artículos y reseñas sobre danza.

Primera grabación de la zarzuela “El timbaler del Bruc”

(Por Joaquim Zueras Navarro)

El sello DiscMedi ha publicado recientemente la zarzuela catalana “El Timbaler del Bruc”. El libreto –incluido en la carpetilla del CD-, a cargo de Pere Gili, se enmarca cerca de Montserrat, durante la invasión napoleónica de 1808. La leyenda cuenta que un joven timbalero, aprovechando la singular acústica de la montaña, logró ahuyentar a los franceses percutiendo sin cesar el instrumento,  por lo que los invasores creyeron que el enemigo era numeroso. En la zarzuela, el oficial francés Marcel intentará destruir el matrimonio del timbalero Albert y su mujer Roser. Hay comicidad en la obra, lo que aligera la atmósfera sombría de la guerra y un tono de exaltación de los valores autóctonos como la Virgen de Montserrat o la sardana. Agustí Cohí Grau acabó de componerla en 1964, por lo que yo la encuadraría en una Reinaxença tardía, tal vez como reafirmación catalanista frente a la dictadura. El estilo es romántico, la expresión musical cercana a las zarzuelas castellanas  aunque más sobria, con diversas citas del cancionero catalán, bellos contrastes entre lo épico y lo intimista, todo mostrado con bucólica sencillez y buen gusto. El elenco está formado por jóvenes cantantes de reconocida solvencia: los tenores David Alegret y Dalmau González, las sopranos Ruth Nabal y Mireia Casas, y el barítono Lluis Sintes. La Coral Sant Jordi y la Orquesta de l´Academia del Gran Teatre del Liceu arropan con elegancia al conjunto, bajo la dirección de Salvador Brotons, muy eficaz en obtener del ensamblaje un óptimo realce expresivo y una clara distinción de planos.

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La Orquesta Barroca de Sevilla crea su propio sello discográfico

La Orquesta Barroca de Sevilla ha creado su propio sello discográfico: OBS-Prometeo. El nacimiento de este sello surge de la necesidad de la agrupación hispalense de actuar con la libertad necesaria para seleccionar la música que quiere grabar. Esta decisión de la OBS reforzará la oferta discográfica con apuestas novedosas y de calidad musical contrastada y posibilitará el conocimiento de su visión de las grandes obras del repertorio, a cuya interpretación no renuncia, junto con una apuesta permanente para la recuperación del patrimonio histórico musical andaluz, español y universal. Con el nacimiento de este sello discográfico, la OBS se suma a una tendencia generalizada entre las agrupaciones musicales más relevantes del panorama nacional e internacional, de disponer de mecanismos propios para la difusión de sus actividades. Los productos de la discográfica OBS-Prometeo serán distribuidos en España por Diverdi y su introducción en el mercado internacional se llevará a cabo por S.I.L. (Spanish Independent Labels) El primer CD de este nuevo sello de la Orquesta Barroca de Sevilla lleva el título genérico de “Arde el Furor Intrépido”, e incluye obras de Juan Francés de Iribarren (1699-1767) y Jayme Torrens (1741-1803) procedentes de la Catedral de Málaga.

El bailarín y la danza

El nombre de Merce Cunningham está asociado al apogeo de la danza contemporánea, a todo lo que hay en ella de innovador, enérgico e iconoclasta. Desde su debut con la Martha Graham Dance Troupe en los años treinta y, especialmente, tras la fundación de su propia compañía, Cunningham ha luchado por dotar a sus piezas de la máxima pureza privilegiando la elocuencia abstracta de un movimiento sin servidumbres externas y explotando las más extremas (a veces fortuitas) posibilidades del color, la luz y el sonido. 'El bailarín y la danza' es un extenso e intenso retrato de un artista poseído por el genio de la vitalidad y poseedor de un sorprendente conocimiento teórico sobre el sinuoso recorrido de la coreografía durante el siglo XX. En esta apasionante conversación no sólo describe y analiza en detalle sus propias obras, sino que además nos revela los entresijos de sus colaboraciones con creadores como John Cage, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Morris Graves, Frank Stella, Andy Warhol, Bruce Nauman o Robert Morris. Merce Cunningham (Centralia, Washington, 1919) se formó como bailarín en la mítica compañía de Martha Graham, donde actuó como solista entre 1939 y 1945. Ese año asombró al público con la presentación de Mysterious Adventure, obra que da inicio a su fulgurante trayectoria independiente y a una colaboración de casi cinco décadas con el compositor vanguardista John Cage. Su concepción del ballet como ejercicio basado en la pureza abstracta del movimiento y carente, por tanto, de referencias narrativas o emocionales se materializa en The Seasons (1947) y se desarrolla, con todo tipo de variantes, en las doscientas piezas que ha creado desde entonces. Entre ellas podríamos destacar (arbitrariamente) Suite by Chance (1952), primera coreografía sostenida de forma «azarosa» sobre una composición electrónica, o Un jour ou deux (1973), montaje para el ballet de la Ópera de París con decorados de Jasper Johns.Su última obra, eyeSpace, fue estrenada en 2006. Merce Cunningham ha recibido todos los premios imaginables.

Las Sardanas obligadas de La Principal de la Bisbal

(Por Joaquim Zueras Navarro)

Se entiende por sardanas obligadas aquellas que están escritas para lucimiento de uno o más instrumentos de la cobla. Así pues, al melómano lego en esta forma musical se le brinda una magnífica oportunidad de familiarizarse con el timbre de estos instrumentos y con sus enormes posibilidades, mientras que el iniciado comprobará una vez más que las sardanas obligadas no son un alarde vacío de virtuosismo, sino obras complejas, expresivas, inspiradas,  siempre placenteras. La Principal de la Bisbal ha reunido 24 en la colección “Sardanes d´or”, nº 16 y 20, en el sello Audiovisuals de Sarrià. El flabiol es un flautín de apariencia tan modesta como rico en recursos. Interviene siempre antes del inicio de la sardana, anunciándola, y como complemento ornamental de otros instrumentos. Su sonido hace que se le asocie con el canto de los pájaros, por lo que en su papel solista ha suscitado en la imaginación de algunos compositores obras como “Vora el niu” de Enric Sans o “Rossinyolet que vas a França” de Narcís Paulís, en las que abundan los mordentes, trinos y grupetos. Al tible, fuera de la cobla se le conoce como chirimía soprano. Ha generado cierta literatura basada en que si bien al oyente le puede parecer un poco áspero al principio, por algún misterio el instrumento termina por atraparlo cuando el ejecutante es competente. Son sardanas obligadas para tible “El judici final” de Josep Blanch y Reynalt, “Record” y “Escolta´m” de Enric Barnosell, y “Recordant l´Enric” compuesta e interpretada por Lluís Pujals. Porque en el segundo disco encontramos a ejecutantes venciendo sin problemas las dificultades que ellos han escrito. Este es también el caso de Josep Gispert, a cargo de la tenora (chirimía tenor) con sus exuberantes sardanas “Maregassa” y “Captivadora”, en la que mantiene dos veces una nota aguda durante quince compases.  El fiscorno, con su timbre solemne, algo oscuro y distante, ha evocado  en ocasiones escenas de montería, como “Els tres caçadors” para tres fiscornos, de Emili Saló; en otras parece adoptar un tono algo irónico, como en “Parella de fet”, para dos fiscornos, de Josep Cassú. ¿Y qué decir de la trompeta, siempre expansiva, a veces recia en su repiqueteo sobre una misma nota, otras cálida como en “Melodies d´amor” de Albert Font? “Pic, repic i repicó” para trompeta y fiscorno solistas y “Els caçadors”, para tible y tenora solistas, ambas de Ricard Viladesau, son óptimos ejemplos de sardanas obligadas para dos instrumentos distintos, por sus sustanciosos diálogos y sorprendentes acrobacias. No podemos olvidarnos, para finalizar, de las sardanas obligadas para cada solista de la cobla a la vez, como “Una lluita musical” de Josep Saderra, cuyo título es de por sí bien explícito. Francesc Cassú, director de La Principal de la Bisbal, declaraba: Una buena cobla se alimenta de buenos músicos. Esto es un hecho innegable pero difícil de conseguir. Cuando, además, todas las posibilidades instrumentales están extraordinariamente bien cubiertas, se produce para el director aquella sensación tan increíble de estar convencido de que todo lo que se hace se hace bien, que podemos aspirar a cualquier repertorio y que puedo exigir calidad alta porque la recibiré”.

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Miriam Méndez revisa a Mozart en clave flamenca

A lo largo de su vida, Mozart emprendió numerosos viajes, captando con su gran talento los diversos estilos musicales que tanta influencia tuvieron en su obra. Así, sus viajes a Italia le abrieron el camino hacia la ópera pero, ¿qué hubiera pasado si hubiera llegado hasta el Sur de España, hasta Andalucía? La pianista y compositora Miriam Méndez da cumplida respuesta a esta hipótesis en Mozart, Sueño Flamenco, un álbum que acaba de editar el Sello Autor y en el que la sevillana revisa en clave flamenca grandes piezas del maestro Wolfgang Amadeus Mozart. Aunque ahora toma formato de disco, este proyecto ya ha viajado como espectáculo a los festivales y escenarios más importantes del mundo clásico. Además, las magistrales versiones por bulerías, sevillanas, soleares o alegrías que ofrece Miriam Méndez están respaldadas por un proyecto anterior: Bach por flamenco, que también publicó el Sello Autor.

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Obras para órgano de Lorenzo Perosi

(Por Joaquim Zueras Navarro)

Arturo Sacchetti, tras una larga etapa dirigiendo los oratorios de Perosi para el sello Bongiovanni, nos muestra ahora lo más relevante de su obra para órgano, no copiosa pero sí interesante: La transcripción de seis fragmentos del oratorio “La Passione di Cristo secondo S.Marco” que realizara el organista Marco Enrico Bossi y otras piezas breves compuestas expresamente para órgano que detallo en la ficha, todo interpretado con precisión y pulcritud por Arturo Sacchetti. No obstante, quisiera señalar algunos defectos que podrían haberse evitado: En cuanto a la toma de sonido, desde la pista 10 a la 25 los bajos resultan tan atronadores que uno ha de ecualizar su reproductor para hacer soportable la audición. En la redacción de la carpetilla, Sacchetti, tras comentar la transcripción de La Passione pone punto final, dejando al oyente sin información sobre las demás obras. Podemos leer que las grabaciones se han efectuado en el órgano Natale Balbiani (1920) del santuario de Oropa y en el órgano Vicenzo Mascioni (1953) de la iglesia B. V. Assunta de Bioglio, pero no se detalla en qué piezas se escucha uno u otro, tampoco hay descripción de estos instrumentos (en la actualidad los discos de órgano suelen incluir una ficha técnica del mismo). Por último, la carátula, como otras del mismo sello dedicadas a Perosi, es de una estética discutible, sombría y tal vez disuasoria.